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HOLLYWOOD
de
Ron Hutchinson
mise en scène:
Daniel
Colas
|
****
Théâtre Antoine
Tel: 01 42 08 77 71
|
« Autant en emporte le vent » comme vous ne l’avez
jamais vu ou plus exactement comme vous le verrez, enfin, en passant de
l’autre côté du miroir ou plutôt des coulisses de
la Metro-Goldwyn-Mayer, tout en rejoignant son producteur ainsi que ses metteur
en scène et scénariste de substitution, enfermés durant
cinq jours de 1939 pour en réécrire la future version filmée
aux 10 Oscars.
Dopés au régime de bananes agrémentées de
cacahuètes, David O. Selznick, Victor Fleming et Ben Hecht vont faire
passer, allègrement, leur cogitation triangulaire en vitesse
surmultipliée, déclenchant des scènes d’anthologie
théâtrale, signées Ron Hutchinson dont les répliques
à damner le 7ème art vont, grâce à l’adaptation
française de Martine Dolléans, libérer, clefs en mains,
la virtuosité d’un trio détonant, composé de Daniel
Russo, Samuel Le Bihan et Thierry Fremont.
Les trois comédiens semblent prendre un tel plaisir au jeu du
« brain storming hollywoodien » constamment
« border line » que la précision
millimétrée de la direction d’acteurs semble rendre à
Feydeau ce qui, au Théâtre Antoine, appartient bel et bien à
Daniel Colas.
Du grand art comique que les Marx Brothers ne rechigneraient pas à
mettre au Panthéon de leurs valeureux successeurs, à travers
le Monde.
En assistante zélée en chef, Françoise Pinkasser
vient rasséréner, de sa prévenance, notre triumvirat
hexagonal, tout au long de sa triviale poursuite aux idées en or,
non sans leur rappeler que Vivian Leigh et Clark Gable s’impatientent,
au dehors des Studios, pour reprendre, sans tarder, le tournage
précédemment soustrait à Georges Cukor.
Cet aller-retour incessant entre farceuse interprétation "live"
en temps réel et laborieux travail d’écriture
cinématographique suspendu, avançant de concert mais à
tâtons, quelque part entre idéologie d’une Amérique
tendance réactionnaire, d’un côté, et sentiments
universels inspirés par l’Amour avec un grand A, d'un autre,
pourrait être en passe de devenir la vivifiante addiction d'une
époque contemporaine en quête d’un Théâtre
osant débrider, sans réserve, le quant à soi des acteurs.
A voir et à revoir, au moins autant qu'à lire et à
relire jusqu'à l'envie, l’histoire de Scarlett O’Hara et
Rhett Buttler !
Theothea le 11/11/11
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OMKARA II
de & par Raghunath Manet
& Didier
Lockwood
|
****
Théâtre de la Gaité Montparnasse
Tel:
01
43 20 60
56
|
A la suite du Jazz et la Diva Opus II, nous avions laissé, en 2008,
Didier Lockwood à ses prérogatives de concurrence musicale
sous famille recomposée et voici qu’en 2011, toujours à
la Gaîté-Montparnasse qu’il affectionne particulièrement,
le violoniste hors pair nous revient en compagnie de Raghunath Manet, son
partenaire de prédilection, si l’on excepte bien entendu sa propre
épouse, Caroline Casadesus.
Ainsi, le danseur indien émérite, maître de Veena,
et le virtuose hexagonal prolongent-ils leur duo dans une création
de Omkara version 2.
La chanteuse Aurélie Prost et le percussionniste Sri Murugan
complètent cette rencontre métissée en apportant, notamment,
au spectacle, un troisième œil protecteur évitant
l’écueil d’un jeu en miroir narcissique.
Un souffle d’esthétisme chorégraphique envahit la
scène intimiste sans que les codes culturels n’aient besoin
d’être explicités par le langage oral; seul en effet compte
le mariage des sonorités alors que les mélopées plaintives
se conjuguent entre Occident et Orient de toujours.
La récurrence gestuelle se meut en leitmotiv fascinant que les
cordes vocales et celles des instruments tissent entre la nostalgie jazzy
de la vieille Europe et le fantasme d’une Inde progressiste sous label
« Bollywood ».
Déjà entre thèse et antithèse, nous voyons
poindre la perspective d’un Omkara III qui en développerait une
synthèse transgressive.
Theothea le 08/11/11
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JE DISPARAIS
de
Arne Lygre
mise en scène:
Stéphane
Braunschweig
|
****
Théâtre de la Colline
Tel: 01 44 62 52 52
|
|
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photo © Elisabeth Carecchio
|
Si une création théâtrale était réductible
à sa scénographie, celle de Stéphane Braunschweig, directeur
du Théâtre de la Colline mettant en scène « Je
disparais » de Arne Lygre, traduit du Norvégien en
Français par Eloi Recoing, emporterait aisément le Molière
de l’abstraction conceptuelle visualisée en panoramique.
En effet, non seulement la métaphore d’une chambre noire
photographique à soufflet se développant de un à trois
compartiments de taille dégressive s’apparente au mieux d’une
quête identitaire en régression dans une fuite en arrière
toute, mais de plus la réalisation sur la scène de la Colline
d’une telle perspective cinétique s’emboîte avec une
aisance si parfaite qu’elle est en mesure de faire effet de miroir
jusqu’à en inverser le sens de la pesanteur de ses propres
planches.
Bref, à la limite de l’imaginaire, la scénographie
de Stéphane Branschweig pourrait apparaître comme le
réceptacle idéal préexistant, en complète apesanteur,
au texte de Arne Lygre.
Ensuite viendrait l’interprétation philosophique de cette
volonté quasi schizophrénique de sortir de soi pour
appréhender un ailleurs ne cessant de se dérober à
l’entendement ainsi que pour tenter de communiquer avec des semblables
échappant aux règles de la cohérence.
En se débattant ainsi avec des fantômes oniriques, les
personnages exclusivement féminins, à l’exception d’un
seul mâle, forcent à leur tour, la direction d’acteurs
à épouser le dédale du cauchemar éveillé,
fût-il situé, par exemple, en pleine mer ou sur une île
perdue.
C’est ainsi que l’interprétation des acteurs devrait,
elle, subir le poids des mots, restant en suspend de la pensée toujours
en avance d’une angoisse existentielle alors que des
« hyper-répliques » se chargent du commentaire
à la troisième personne du singulier:
« L’autre femme est allongée par terre. Il n’y
a rien en dehors de cette pièce, pense-t-elle et elle regarde autour
d’elle, remarque des détails qu’elle n’avait jamais
vus avant. Mon monde, pense-t-elle et elle a conscience de sa place, parfaitement
conscience, le corps comme un objet en relation avec le plafond, les murs.
L’espace limité. Elle-même. »
Jeu de rôles, dédoublement, virtualité et autres outils
formels de la distanciation identitaire se complètent, ainsi, en cinq
personnages (Irina Dalle, Alain Libolt, Pauline Lorillard, Annie Mercier
& Luce Mouchel) pour n’en former, sans aucun doute, qu’un seul,
celui de l’auteur s’exerçant cérébralement
à spéculer sur la relativité de la condition humaine.
Theothea le 12/11/11
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CAUBERE JOUE BENEDETTO
: Urgent crier !
de
André Benedetto
mise en scène & par Philippe
Cuabère
|
****
Maison de la Poésie
Tel: 01 44 54 53 00
|
« Urgent, crier » est le titre du premier des recueils
de poèmes d’André Benedetto qui s’était
installé à Avignon, figure titulaire du festival et fondateur
du off, en 1966.
Pour lui rendre hommage, Philippe Caubère a décidé
cette année, au mois de juillet, dans le off, de déclamer les
paroles de cet auteur-acteur au Théâtre des Carmes, sanctuaire
militant dont Benedetto avait été le directeur de 1963
jusqu’à sa mort soudaine en juillet 2009.
Caubère, qui a tout connu à Avignon, la Cour d’Honneur,
le off, le in, la carrière de Boulbon, depuis son
« Roman d’un acteur » jusqu’à
« L’homme qui danse » en passant par
« Claudine ou le Théâtre » ou
« Épilogues », a voulu faire scintiller l’homme
militant engagé et rebelle qui l’avait tant ébloui, du
temps de la jeunesse.
C’est au tour de la Maison de la Poésie de recevoir la flamboyance
du verbe de AB André Benedetto, entre AA (Antonin Artaud) et BB (Bertold
Brecht).
Caubère, dans un premier temps, nous surprend. D’une curieuse
retenue et avec une voix singulière à l’accent rocailleux
du sud qui n’est pas le sien tendance marseillais, d’un débit
bas et rapide, presque inaudible, qui force l’écoute, il incarne
l’auteur à la « gueule d’ange ».
Puis, cassant ce rythme, armé d’un micro, aussi tranchant
qu’une lame, il clame sa révolte artistique qui réveille
nos consciences endormies et nous jette à la figure, tel un coup de
tonnerre, la digression d’une langue qui dénonce et qui
émerveille. On retrouve le Caubère animal accaparant
l’identité du Benedetto pamphlétaire.
Alors, puisant dans les textes de l’acteur-sud, quintessence du pur
comédien méditerranéen, à l’instar des Raimu,
Gérard Philipe & Alain Cuny, Philippe Caubère s’empare
de trois grands visionnaires du théâtre :
D’abord, à tout seigneur tout honneur, Jean Vilar, le
sétois, un acteur qui s’engage physiquement, d’une
présence extraordinaire; il sera l’homme qui, face au fameux
mistral, dans la cour du Palais des Papes, va l’investir et fonder le
festival d’Avignon en 1947. Les mots déferlent par la voix de
Caubère, accompagnés d’images d’archives projetées
sur grand écran, avec de beaux portraits de Vilar qui aura voulu faire
d’Avignon un lieu d’expression et d’échanges et se
fera pourtant conspuer en 1968. Il devra affronter une jeunesse radicale
et contestataire qui osera lui jeter des anathèmes du genre :
« Vilar, Béjart, Salazar ! » soutenue par le Living
Theater.
D’ailleurs, à propos du festival de 68, Benedetto, l’homme
au regard de braise, lui n’y voyait pas le peuple, il n’y voyait
que « les flics ».
Vient, ensuite, le poète marseillais Antonin Arthaud, le visionnaire
halluciné et torturé, l’inventeur du concept de
« théâtre de la cruauté » dont
les dessins magnifiques de souffrance sont projetés sur
l’écran, lesquels expriment ce qu’il y a d’obscur dans
l’esprit et dont la matière, enfouie au plus profond de soi,
doit nourrir le théâtre.
Enfin, voici un Magnificat sur le metteur en scène et critique
littéraire Gilles Sandier, se promenant régulièrement
dans les jardins d’Allah et défenseur d’un théâtre
politique et militant.
Dans cette alternance de rythme pausé ou, au contraire, vibrant,
tel un fauve, Philippe Caubère s’appuie sur la présence
d’un guitariste, Jérémy Campagne qui joue autant des morceaux
de musique andalouse que, dans un style fougueux, des accords d’Hendrix
ou des Doors, selon un tempo qui donne la pulsation du spectacle, comme avait
aimé le faire Benedetto avec les musiciens de la compagnie Lubat.
« Urgent, crier » est un hommage adressé à
une communauté de langage ainsi qu’au théâtre vivant,
exigeant et populaire qui veut se faire entendre face au vent de la
Méditerranée et qui doit donc hurler pour parvenir à
nos oreilles, hurler pour éveiller nos consciences, pour remuer en
nous les endormissements.
Philippe Caubère réhabilite un artiste engagé rageusement
corps et âme.
Ainsi, Caubère & Benedetto, apparaissent fusionnels dans un
même combat poétique.
Cat.S / Theothea.com, le 22/11/11
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L'OURS, LA FOLLE NUIT ET
LA DEMANDE EN MARIAGE
de
Anton Tchekhov
mise en scène:
Benoît
Lavigne
|
****
Cine 13 Théâtre
Tel: 01 42 54 15 12
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Pour un coup d’essai professionnel, la compagnie « Les
Grues Maux » s’offrent un triple coup de Maître avec
d’abord, en tout Seigneur tout honneur, Anton Tchekhov au pinceau, ensuite
Benoît Lavigne à l’orchestration & enfin grâce
à la brillante alternance de trois jeunes violonistes, Amandine Corgiat,
Juliette Carradec & Lucien Alfonso.
Cependant pour que le tryptique amoureux au programme du théâtre
montmartrois de Salomé Lelouch fût sujet à
révélations, encore fallait-il que les cinq jeunes recrues
y brûlent du feu de dieu.
Alors, disons que d’emblée dans
« L’Ours », le spectateur est tellement emporté
par la fougue antagoniste partagée entre Bérangère Gallot
et Stephen Szekely qu’il lui paraît quasi conforme qu’ Estelle
Kitzis, Lauriane Lacaze & Hervé Jouval, leurs trois partenaires
à suivre dans « La folle nuit » et « La
demande en mariage », s’affichent, tout autant, à la
hauteur du vertige Tchekhovien où les forces légitimes de
séduction s’affrontent à celles de légalité.
La valeur n’attendant point le nombre des années, il est donc
urgent d’évaluer celle qui, actuellement au Ciné 13
Théâtre, pourrait fort bien être la première marche
d’un succès qu’ a posteriori, d’aucuns découvreurs
devraient s’enorgueillir d’avoir su déceler à
temps.
Theothea le 10/11/11
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