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L'ETUDIANTE ET MONSIEUR
HENRI
de Ivan
Talbérac
mise
en scène: José Paul
|
****
Petit Théâtre de Paris
Tel:
01 42 80 01 81
|
Débuter une nouvelle saison théâtrale par une pièce
d’une telle qualité humaine, c’est tout simplement un cadeau
venu de la plume d’un scénariste de cinéma qui,
s’essayant pour la troisième fois à l’écriture
du spectacle vivant, signe un coup de maître en dramaturgie comique.
Dans sa note d’intention, Yvan Calbérac se situe comme un
observateur attentif de la perspective patrimoniale déterminant chaque
individu dans sa relation avec ses congénères.
En toile de fond, sa lecture discrète mais omniprésente
d’une interprétation psychanalytique des comportements sociaux
vient conforter son empathie envers ses personnages pris dans une toile
subjective mais néanmoins flexible où les sentiments paraissent
sans cesse surnager à la surface de la réalité, à
la manière d’une piscine à débordement.
Ainsi, toujours à la limite du déséquilibre affectif,
chacun mène sa barque comme le funambule de la vie quotidienne
sollicitée sans cesse par les interréactions
transgénérationnelles.
Mettant en scène un quatuor où les rôles se
complètent en opposant leurs destinées au prorata du vertige
de la solitude implicite qui les menace, José Paul parachève
cette angoisse existentielle en n’ayant d’autres échappatoires
objectives que celles de faire surgir, à chaque instant, le rire
salvateur.
Défi si bien gagné au plus fort d’un tel enjeu fusionnel
que Roger Dumas semble se promener au sein d’un précipité
du troisième âge incarné en temps réel, tel
l’ange exterminateur des motivations fallacieuses.
Face à lui, une jeune étudiante (Claudia Dimier), mal
orientée dans des choix d'apprentissage mal assumés, tente
de ramer à contre-courant d'auto-frustrations alors qu'elle voudrait
dévorer les failles du vécu.
Entre eux deux, se dresse un couple de tourtereaux vulnérables
(Lysiane Meis & Sébastien Castro) qui, tout à la fois,
souhaiteraient la fuite en avant à tire-d’aile alors que la pesanteur
ne cesse de se rappeler à la vigilance de l’autorité
mémorielle, sous le truchement du masque familial.
Quatre comédiens en pleine possession de leurs facultés
à communiquer au public, le flux et le reflux des affects pulsionnels,
quel que soit l’âge de sincérité à les exprimer
entre bougonnerie calculée, espoir onirique et enthousiasme crédule.
Ce huis clos mis au profit d’un hébergement locatif vient,
à point nommé, ajuster la trajectoire de chaque destin individuel
en le replaçant habilement au cœur d’une cohabitation
l’enveloppant d’un cocon à la fois protecteur et
inhibiteur.
Ivan Talbérac et José Paul s’emploient à le
faire imploser à petites touches ininterrompues d’hilarité
au énième degré d’une émotion à fleur
de peau.
Theothea le 14/09/12
|
BRITANNICUS
de
Jean
Racine
mise
en scène Jean-louis Martinelli
|
****
Théâtre Nanterre-Amandiers
Tel:
01 46 14 70 00
|
Dès le premier de ses 1768 alexandrins, la petite musique de Jean-Louis
Martinelli s’installe entre les vers raciniens, en distillant un sentiment
d’étrangeté qu’un plateau scénographique,
tournant sur lui-même très lentement mais sûrement, vient
renforcer, en son axe central, d’un petit bassin miroitant.
Sous sa surface d’eau claire se situeraient toutes les forces occultes
qui, d’Agrippine à Néron en passant par Britannicus
lui-même, vont renvoyer, dos à dos, toutes les thèses
préexistantes sur la conquête du pouvoir ou sur la violence
de la passion.
Telle la « patate chaude » renvoyée entre
destinataires impliqués, un jeu de chaises musicales se met en place
au profit de points de vue différenciés voire interchangeables
car les enjeux de la pièce ne sont pas linéaires mais bel et
bien parcellaires.
En tout cas, le parti pris de Jean-Louis Martinelli est bien de confronter,
scène après scène, les multiples options qui s’offrent
successivement aux protagonistes de remporter la mise dans l’instant
alors que, dès le coup suivant, la donne peut se métamorphoser
en son contraire.
Ainsi, tous pris au piège d’une maîtrise
événementielle impossible à maintenir de manière
unilatérale, les sept personnages se débattent d’abord
avec l’ombre de leurs ressentiments et, seulement ensuite, avec des
partenaires substitutifs dont une bonne moitié sont confident, conseiller
ou même instigateur, voire cumulent les trois fonctions à la
fois.
Bien entendu, il faudra que l’heure du sacrifice rituel sonne sur
l’autel de la Tragédie classique et c’est finalement, sans
surprise excessive, que la disparition de Britannicus pourra être
annoncée avec, à la clef, la nécessité d’une
redistribution des cartes à moins que la monstruosité
l’emporte définitivement faute d’adversaire à sa
taille.
D’une oralité délibérément conceptuelle,
la mise en scène distribue la parole au gré d’un schéma
mental sans cesse rejoué en son intégralité, comme
s’il s’agissait d’épuiser toutes les chances de perspective
humaine, mise à mal par la malignité d’une déviance
récurrente.
Qu’importe en définitive, que celle-ci puisse s’appeler
tyrannie ou autre clone abusif, les conséquences de sa dévastation
semblent s’inscrire dans une logique inéluctable, à marche
forcée.
C’est pourtant face à l’autorité impériale
d’Anne Benoît (Agrippine) que pourra s’épanouir, à
satiété, la jubilation décalée d’Alain Fromager
(Néron) tout au long d’une véritable leçon de ping-pong
dialectique que leurs cinq partenaires vont façonner allégrement
en partie de poker menteur.
Theothea le 19/09/12
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LE TARTUFFE
de
Molière
mise en scène
Marion Bierry
|
****
Théâtre de Paris
Tel:
01 48 74 10 75
|
Le « Tartuffe » proposé par Marion Bierry
s’ouvre sur un décor minimaliste contemporain de Nicolas Sire,
aux tons froids et cliniques. Sur le mur blanc du fond se détache
un visage du Christ portant croix, suggérant le poids de la
dévotion. Sans mobilier, hormis un piano blanc, tout ce blanc serait
là, peut-être, pour mieux refléter la noirceur à
venir de Tartuffe.
Les comédiens vont rentrer sur scène et, tel un jeu
d’échecs, se mouvoir sans raison apparente, de façon
répétitive et approximative pendant dix minutes, plutôt
longuettes, pour focaliser leur regard dans une même direction, en
haut d’un escalier, à l’étage, lieu d’un espace
privé aux secrets compromettants, sans doute évoquant la menace
à venir. Ils s’immobiliseront enfin autour de la grand-mère,
Madame Pernelle (Jacqueline Danno), en chaise roulante, qui va vitupérer
contre sa descendance et faire l’éloge de Tartuffe qui a
été imposé par le maître de maison Orgon.
Ce prologue semble un peu laborieux avant l’arrivée d’Orgon
qui, fragilisé par son veuvage, bien que remarié, est un être
sous influence. Il subit avec une certaine jouissance l’emprise mentale
de Tartuffe, malgré toutes les réserves et les mises en garde
de sa famille. Cet Orgon est campé par un Claude Brasseur goguenard,
au regard pétillant et malin. Il le joue bonhomme, bienveillant, prenant,
au fur et à mesure, une densité toute humaine, ses « le
pauvre homme » sonnent d’un juste ton mais, cependant, il
est prêt à faire éclater sa famille en livrant sa fille
et sa fortune.
Quant à Tartuffe qui apparaît au bout d’une heure,
vêtu de noir, tel un corbeau, tranchant sur tout ce blanc, c’est
une autre star de théâtre qui l’incarne, Patrick Chesnais,
qui nous le fait doucereux au possible sans doute pour mieux endormir Orgon.
Mais par son côté flegmatique nonchalant et désabusé,
un peu je « m’en foutiste », reste-t-il trop
influencé par les personnages contemporains joués
précédemment « Toutou » et « Cochon
d’Inde » qui jonglaient avec l’absurde, il affadit
l’âme tortueuse et machiavélique de son personnage.
La fameuse scène « Cachez ce sein que je ne saurais voir
» dite platement passe inaperçue et ses soupirs pour exprimer
son impuissance manquent d’inspiration, ses mimiques tombent à
l’eau et quand il est le jouet de la manipulation théâtrale
de l’épouse d’Orgon, celui qui se prétend amoureux
transi de celle-ci, ne trouve pas la flamme lyrique et ardente du séducteur
ou la jouissance friponne du félon dissimulateur.
Il manque beaucoup de conviction aux personnages secondaires à
part Dorine (Chantal Neuwirth connue pour les « Brèves de
Comptoir « ) qui enrage à l’envi, la belle Elmire (Beata
Nilska) qui usera avec subtilité de ses charmes pour abuser Tartuffe
dans une belle parade et l’engagement physique de Damis (Arnaud Denis),
insuffisamment exploité.
Dans la mise en scène de Marion Bierry, la satire grinçante
de Molière a perdu de son âme, celle de dénoncer en faisant
rire. On ne saisit pas bien son point de vue, il n’y a pas de réel
éclairage, ni satire des dévots, ni dénonciation franche
de l’hypocrisie, ni risque d’implosion familiale dont l’ambigu
Tartuffe pourrait être le révélateur, car cette famille
subit les affres d’une menace qui risquait de briser son harmonie apparente.
Le spectateur, décontenancé, reste sur sa faim, nageant
entre les eaux troubles d’une mise en scène sans audace que
l’absence de dynamisme rend faiblarde.
Cat.S / Theothea.com, le 29/09/12
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DON JUAN
de Molière
mise
en scène Jean-Pierre Vincent
|
****
Comédie Française / Ephémère
Tel:
08 25 10 16 80 (0,15e/mn)
|
Quel contraste entre le Tartuffe dépassionné de Marion Bierry
aux tons froids et à la réalisation approximative au
Théâtre de Paris et ce Dom Juan proposé à la
Comédie Française.
La mise en scène de Jean-Pierre Vincent, au Théâtre
Ephémère, est audacieuse et réglé au
millimètre.
Elle s’ouvre sur un superbe décor aux teintes chaudes telle
une peinture vénitienne sur fond bleu ébloui d’une
lumière crue méditerranéenne; celle-ci (Alain Poisson)
découpe les personnages, les mettant en relief dans leurs somptueux
costumes, aux étoffes chatoyantes (Patrice Cauchetier).
Ce décor de Jean-Paul Chambas, aux plans géométriques,
évolue en fonction des épisodes de la marche vers
l’abîme de Dom Juan et de son valet Sganarelle.
Au 2ème acte, dans leur fuite, la tempête les jette sur une
plage, aux grands pins parasols rappelant une toile de maître; la
forêt du troisième acte sera renversée, arbres à
l’envers pour mieux devenir le mausolée du Commandeur et la fameuse
statue prendra, ici, la forme d'un immense bloc rouge se déplaçant
et duquel surgira un être gigantesque.
Après cette traversée, telle une remise en question
métaphysique, Dom Juan, rejaillira aussi frais et jouisseur, pour
mieux défier le Commandeur lors d’un banquet cadré sur
une grande table à la nappe d’une blancheur moirée.
Celui qui fuit ainsi a l’insouciance de la jeunesse.
Il a beaucoup de charme, ce Dom Juan, dégaine d’adolescent,
croquant le vie à pleines dents, incapable dans son assurance
inébranlable, de réfréner un tant soit peu ses désirs,
virevoltant d’une femme à l’autre, abandonnant Elvire, jeune
noble après l’avoir séduite, papillonnant autour de deux
paysannes, qu’il délaisse par peur de l’ennui ou par lassitude.
Il n’y a pas de calcul chez lui; c’est un enfant mutin et capricieux
qui, par provocation, enfreint les règles de la morale et du religieux.
Il ne réfléchit pas, n’accepte pas les contradictions,
renvoie son créancier, rejette les remontrances de son père.
Par bravade, tel un d’Artagnan, il peut défendre,
l’épée à la main, son rival attaqué par
des bandits, inconscient de la portée de ses actes, il aime les
défis, jusqu'au défi final : le repas avec la Statue du
Commandeur.
Loïc Corbery, jeune sociétaire de la Comédie
française est ce très original Dom Juan, à
l’élégante séduction, très précis
dans ses déplacements, ses postures; l'acteur est magnifique de
complexité, jusque dans sa transformation en faux dévot au
terme de la pièce.
Emporté avec lui dans ses pantalonnades, le puissant Sganarelle
est interprété par le merveilleux Serge Bagdassarian.
Massif et très mobile dans son costume moliéresque, il est,
tel un Sancho Panza devant Don quichotte, égaré par les folies
de son maître qu’il n’approuve pas; il veut le remettre dans
le droit chemin mais ne peut s’empêcher d’être son
complice et de le suivre contre vents et marées. Pour laver sa conscience,
il fait des remarques sentencieuses d’un bon sens populaire, à
la cantonade.
Il s’essaie à la rhétorique, dans la pleuterie,
véritable contrepoint d’une dispute philosophique existentielle
entre le Maître et le valet comme les deux faces opposées mais
complémentaires d’une vision du monde qui devrait les entraîner
dans la damnation.
Chez Jean-Pierre Vincent, celle-ci ne s’achève pas par la
mort foudroyante de Dom Juan après avoir touché la main du
Commandeur, mais par une pirouette, un pied de nez au destin programmé.
En effet, tel un tour de passe-passe à la surprise
générale, Dom Juan, terrassé, se relèvera et,
rejoint par son compagnon Sganarelle, ils quitteront tous deux la scène,
riant d’un dernier bon tour joué aux bien-pensants de l’ordre
moral et religieux.
Un final étonnant, qui s’éloigne de Molière
au terme d’une mise en scène jusque-là d’une grande
fidélité, mais voilà le théâtre est magique
!
Alors, d’un coup de baguette et …aussi léger que l’air,
Dom Juan, désinvolte, nous nargue une dernière fois, telle
une énigme transcendentale.
Cat.S / Theothea.com, le 01/10/12
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UN DRÔLE DE PERE
de Bernard
Slade / adaptation Gérald Sibleyras
mise
en scène Jean-Luc Moreau
|
****
Théâtre Montparnasse
Tel:
01 43 22 77 74
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affiche - photos © Pascalito
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Michel Leeb fait le pari que ses contemporains ont un immense besoin de
légèreté d’âme afin de s’affranchir
des tourments qui ne cessent de les ronger.
En s’appuyant sur ce postulat, Gérald Sibleyras a
rédigé une adaptation de la pièce originale signée
Bernard Slade, mettant celle-ci en prise effective avec l’air du temps.
Si, par ailleurs, la maladie est au centre implicite des motivations du
pater familias, c’est pour mieux profiter de l’instant présent,
ainsi ravi aux forces insidieuses de la pathologie.
Voici donc, en face à face, François, l’adulte immature
et Christophe, le jeune homme polarisé par ses études.
Ainsi, Père et fils vont devoir se côtoyer le temps de
retrouvailles décidées d’un commun accord.
Cependant les femmes vont jouer les empêcheuses de tourner en rond
avec cette relation filiale mise à mal depuis belle lurette par le
principe de décomposition des familles.
Majoritaires avec quatre rôles sur sept, les forces féminines
en présence vont s’associer au mâle dominant dans sa
reconquête pour conjurer et terrasser l’esprit de sérieux
ayant pris le contrôle du jeune loup en situation de défensive.
Dire que le personnage de Michel Leeb est complètement raccord
avec l’idée que le grand public se fait du comédien
l’ayant habitué à son tempérament farceur, serait
un euphémisme s’il suffisait d’ignorer le volontarisme,
affiché présentement, d’une mission pédagogique,
exercée selon un art et des manières très personnels.
L’humour est bien évidemment convoqué à la clef
de chaque réflexion ou décision à prendre au fur et
à mesure de tribulations liées à deux perspectives de
vie forcément et radicalement opposées.
Toutefois, de manipulations avérées en quiproquos
incontournables, père et fils vont néanmoins, à force
de bonne volonté réciproque, faire des pas décisifs
l’un vers l’autre en donnant à cette comédie la
tonalité morale, si ce n’est d’une leçon de vie,
tout au moins celle d’un modus vivendi où l’adaptabilité
joyeuse pourrait se constituer en passeport universel.
Rien que pour cet objectif délibéré et
généreux, Michel Leeb mériterait tous nos encouragements;
alors si, en plus, l’artiste réussit à nous faire sourire
et rire de cet imbroglio relationnel, les félicitations doivent se
joindre à nos bravos.
Theothea le 24/09/12
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