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LE PERE
de
Florian Zeller
mise en scène
Ladislas Chollat
|
****
Théâtre Hébertot
Tel: 01 43 87 23 23
|
Que l’époustouflant Robert Hirsch soit en pyjama rayé
façon bagnard ou en costume de ville, façon retraité
actif, le fabuleux rôle d’André, taillé sur mesure
par Florian Zeller, est pris dans la tourmente d’un quatrième
âge complètement marginalisé par la société
moderne.
Comme dans une descente aux enfers, l’enjeu de la vieillerie serait
d’être dépouillé peu à peu de tous ses
repères, de façon à ce que toute volonté
d’autonomie se trouve engloutie dans un statu quo favorable à
l’abdication d’une existence à part entière.
C’est ainsi que, profondément, le doute s’installe dans
les esprits, le sien, celui de sa fille Anne (Isabelle Gélinas), de
ses proches alors qu’à chaque instant la mémoire
communautaire, même récente, pourrait être pris en
défaut, voire en flagrant délit de contradiction.
Est-ce que oui ou non, Anne lui aurait dit qu’elle envisageait de
s’expatrier à Londres ?
Comment se fait-il qu’il ne reconnaisse pas l’aide
ménagère avec qui il avait sympathisé
précédemment ?
A-t-il assurément des raisons tangibles de penser qu’on pourrait,
délibérément, lui soustraire sa montre ?
Puisque l’auteur n’a pas l’intention de résoudre
ces tourments qui, par effet de boomerang, s’imposent en objet de
questionnement au spectateur, ce dernier se trouve en situation de reconstituer
le puzzle problématique, selon l’image virtuelle qu’il se
fait de normes sociables acceptables.
André, cet homme âgé et veuf, devrait-il donc être
pris en charge par sa fille ?
Celle-ci vit-elle encore mariée, divorcée ou en concubinage
? Bien entendu, son statut relationnel ne regarde qu’elle, à
ceci près que cette situation équivoque cache elle-même
tellement d’autres ambiguïtés dans la vie quotidienne qui
se désorganise tout autour d’André qu’on est en droit
de se demander si le vieil homme n’est pas la proie de forces occultes
destinées à le dompter, voire plus si opportunités !
Pourquoi son appartement aurait-il pris les apparences de celui de sa
fille ?
Mais qui est, donc, ce beau fils qui paraît s’être
installé dans la vie de celle-ci pourtant séparée de
son mari ?
Et puis, comment se fait-il que Louise, sa seconde fille tant aimée
ait disparu de leur environnement à tous ?
Ladislas Chollat, le metteur en scène suit l’auteur, avec
respect intuitif, dans ce jeu de vraies-fausses pistes où chacun se
doit de remettre les pendules à l’heure.
Mais au fait quelle heure est-il réellement ?
Serait-ce l’heure des médicaments prêts à
anéantir tout réflexe de survie ou celle de renvoyer, cul
par-dessus tête, toute autorité malveillante à
l’égard d’une subjectivité en souffrance ?
Non seulement Florian Zeller laissera chaque spectateur penser ce qu’il
veut de ce désarroi générationnel mais de surcroît,
il laissera l’autorité médicale prendre le relais, à
la suite de la famille…. en une alliance objective et
complémentaire.
Alors, tout est bien qui finira bien, se dit-on !
Pas nécessairement car le tandem Zeller-Chollat, tout au long de
la pièce, a décidé, à juste titre,
d’épouser implicitement le point de vue d’André,
de telle façon que l’empathie rejoigne le malaise ambiant
persistant… ce qui, en d’autres termes, pourrait s’intituler
« La mauvaise conscience collective » !
Theothea le 06/10/12
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LE JOURNAL D'ANNE
FRANK
de
Eric-Emmanuel Schmitt
mise en scène Steve Suissa
|
****
Théâtre Rive Gauche
Tel: 01 43 35 32 31
|
Quand la passion s’empare d’un projet artistique, cela force
le respect et, si d’aventure ce projet concerne l’un des récits
les plus lus au monde, c’est forcément avec admiration sans
réserve que s’apprécie le spectacle vivant qui s’en
émane.
L’association du prénom Anne avec le nom Frank est à
jamais signifiant d’une écrivaine de quatorze années ayant
témoigné de l’indicible avec la considération
universelle d’avoir contribué à éclairer, au plus
haut point, la conscience humaine.
C’est donc pourquoi Eric-Emmanuel Schmitt souhaitait apporter sa
pierre à cet édifice patrimonial. L’opportunité
d’un appel d’offres lancé par les ayant droits permit à
l’auteur de remporter leurs suffrages et de pouvoir s’atteler à
la tâche ambitieuse d’en moderniser la représentation
théâtrale.
Décidant alors d’en construire le scénario autour de
la figure du père d’Anne qui, en remontant le temps, découvre
page après page, le journal de sa fille alors même que celui-ci
a fini par se résoudre à la perspective inéluctable
du non retour, le dramaturge va confier le rôle paternel à un
comédien ô combien emblématique à l’égard
de cette incarnation:
Francis Huster, puisqu’il s’agit de lui, va en prendre la mesure
comme si sa propre destinée était en jeu, alors que bien des
accointances personnelles vont lui apparaître
d’évidences.
Par ailleurs, en accord avec le metteur en scène Steve Suissa choisi
pour cette cause, l’auteur devenu lui-même, entre temps, co-directeur
du Théâtre Rive-Gauche allait confier le rôle de la jeune
adolescente qu’était Anne, à Roxane Duran,
révélation du film d’Hanneke, « Le ruban
blanc ».
Tout était ainsi en place pour qu’avec le décor de
Stéphanie Jarre, représentant l’annexe de l’Atelier
où étaient confinées trois familles juives
jusqu’à leur découverte et déportation en 44 par
les Nazis, l’intensité théâtrale soit au cœur
de l’épreuve et de l’émotion.
A chaque spectateur d’apprécier, à l’aune de
l’idée qu’il se fait du Journal d’Anne Frank, la force
et la vérité du témoignage reproduit ainsi grandeur
nature, subjective et fictionnelle.
Néanmoins, le choix de montrer la promiscuité à travers
ses vicissitudes, ses ressentiments et autres exaspérations n’est
pas forcément le meilleur moyen de transmettre le sentiment partagé
de l’exclusion du reste du monde et celui d’être au ban de
la société des hommes.
Alors que Francis Huster nous est apparu en retrait paradoxal du fil
conducteur thématique, en revanche Roxane Duran se place
d’emblée à la hauteur du mythe avec l’ensemble des
fragilités qui lui incombent.
En définitive, le spectacle, construit de manière très
cinématographique, est de bonne facture mais laisse une impression
d’abstraction inachevée.
Theothea le 05/10/12
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QUE FAIRE DE MR.
SLOANE
de
Joe Orton
mise en scène Michel Fau
|
****
Comédie des Champs-Elysées
Tel: 01 53 23 99 19
|
Que faire de Mr Sloane ? La question reste ouverte mais ce qu’en
fait Michel Fau nous convient particulièrement; Certes le choix de
Charlotte de Turckheim pour interpréter le rôle de Kath était
osé mais s’avère très judicieux tant la
comédienne, encline à beaucoup d’abnégation
vis-à-vis des apparences de son ego, va tirer son épingle
d’un jeu en carré où la famille tuyau de poêle y
convoque le père, le frère et la sœur.
C’est alors que va survenir une espèce de Théorème
Pasolinien qu’il va leur falloir résoudre chacun à sa
manière.
Pour le père (Jean-Claude Jay) bougon et empêcheur de tourner
en rond, c’est clair: Cet étranger, venu de nulle part pour vivre
chez eux, est forcément un meurtrier en cavale.
Pour la sœur, au-delà du locataire fournissant l’occasion
de subsides à la famille, Sloane (Gaspard Ulliel), jeune beau gosse
est une opportunité à saisir sur le plan de la libido. Et comme
la denrée est rare pour Kath, c’est peu de dire que celle-ci
va se jeter sur le jeune homme comme une furie, prête à toutes
les compromissions.
Pour son frère (Michel Fau), l’occasion serait belle
également de lui mettre le grappin dessus, histoire d’assouvir
l’extravagance de son style de vie.
Cette situation tripartite ne va cesser de se dégrader, au vu des
tiraillements intéressés pour confisquer la proie, en exacerbant
toujours davantage les reproches, la médisance, la calomnie dans une
atmosphère de perfidie et de traîtrise hilarante.
Chacun des rôles en prendra pour son grade alors même qu’au
fur et à mesure, les détritus de la décharge voisine
envahiront peu à peu la perspective, ô combien
théâtrale, de cette famille.
Métaphore au sein de la parabole, le ton de la pièce est
une sorte de patchwork où les bons sentiments côtoient les pires
noirceurs que l’humanité ne peut assumer.
A ce stade de la transgression du vocabulaire et du bon goût,
l’auteur apparaît comme un poisson dans l’eau; ce qui donne
à Michel Fau, toute latitude en tant que metteur en scène mais
surtout comme interprète pour savoir aller jusqu’où,
normalement, il ne faudrait pas aller.
Cela touche tout simplement au génie, mais çà on
le savait déjà et c’est donc cartes sur table que Michel
Fau abat son jeu fantasque sur les planches de la Comédie des
Champs-Elysées.
Theothea le 11/10/12
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LA DERNIERE BANDE
de
Samuel Beckett
mise en scène Alain Françon
|
****
Théâtre de l'Oeuvre
Tel: 01 44 53 88 88
|
S’il suffisait, au théâtre, d’avoir une voisine
de devant qui ne tienne pas en place, pour se sentir en porte à faux
avec une représentation exigeante, il pourrait être aisé
de justifier un sentiment de malaise à l’écoute de la
dernière bande de Beckett, dupliquée par Alain Françon
selon les didascalies très strictes de l’auteur.
En effet, écouter la voix de Serge Merlin, durant la majorité
du temps de représentation, au travers de l’enregistrement d’un
magnétophone trônant en véritable partenaire sur les
planches du Théâtre de l’Oeuvre, en présence du
fameux comédien fulminant contre le jeune Krapp, prétentieux
et imbécile qu’il juge avoir été au diapason des
propos restitués par la machine, pourrait se transformer en
véritable souffrance du spectateur lui-même, tant
l’insatisfaction semble prendre le pouvoir, pendant ces instants de
spectacle vivant, suspendus en abîme.
Bien entendu, face à un tel dilemme critique, il est nécessaire
de faire la part des choses :
Le metteur en scène, tellement subtil par ailleurs, ne peut être
tenu responsable du respect absolu des directives imposées à
sa direction d’acteur.
Ce dernier ne peut, lui-même, être fautif de pousser dans
leurs retranchements, toutes les zones d’ombre autodestructives que
son rôle d’observateur intransigeant ressent instinctivement face
au jeune présomptueux qu’il prend en flagrant délit
d’avoir été.
Alors, question d’intonations insupportables, question de propos
mythomanes, question d’imbécillité de la jeunesse seraient
partie prenante d’une interprétation, forcément
ambivalente.
Oui mais, dans cette perspective, quel être censé ne se
reconnaîtrait-il pas dans ce retour sur les origines improbables du
talent, quel qu’il soit ?
Aussi, dans le mal-être présent, il doit y avoir d’autres
facteurs de gêne et d’accablements venant interférer avec
la thématique du « On ne peut pas être et avoir
été » prise à contre-pied.
Serait-ce, donc, cette voisine incapable de maintenir son corps en état
d’attention soutenue qui parasiterait le champ visuel nécessaire
à l’empathie scénographique ?
Peut-être, en tout cas: « Yes, I can’t get no
satisfaction ».
Serait-ce, ainsi, que le point de vue du spectateur rejoindrait celui
de l’acteur…. de toutes évidences, pour de mauvaises raisons
?
Theothea le 08/10/12
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LA FAUTE D'ORTHOGRAPHE
EST MA LANGUE MATERNELLE
de
Daniel Picouly
mise en scène
Marie Pascale Osterrieth
|
****
Théâtre Tristan Bernard
Tel: 01 45 22 08 40
|
Quel beau présage de s’être produit cet été
à « la Chapelle du Verbe incarné » à
Avignon pour un homme amoureux des mots et de la langue française,
l’ancien enseignant devenu écrivain reconnu est donc
aujourd’hui au théâtre, cette fois sur la scène
du Tristan Bernard à Paris.
Tel un griot, Daniel Picouly est certes plus un raconteur d’histoires
qu’un comédien à part entière, et, devant un tableau
noir, il égrène ses souvenirs tirés d’un texte
autobiographique « la faute d’orthographe est ma langue maternelle
» mis sobrement en scène par Marie-Pascale Osterrieth.
Comme l’a chanté Alain Souchon « J'ai dix ans-
Je sais que c'est pas vrai mais j'ai dix ans - J'ai dix ans - Je vais a
l'école et j'entends… », l’enfant Picouly se projette
dans son école primaire de la fin des années 50
« debout sur le bureau, les mains sur la tête, un cahier
accroché autour du cou » et il entend l’instituteur
remplaçant qui, outré par le nombre de fautes d’orthographe
jusqu’à 26 fautes ¾ dans une même dictée lui
jettera un dédaigneux « il faut être bête
à manger du foin ».
Ce qu'il ignore ce maître d'école, c'est que la mère
du petit Daniel fait aussi beaucoup de fautes. Dans l'esprit de l'enfant,
le professeur vient d'insulter sa mère. De cette humiliation, Daniel
Picouly tire son envie de revanche, sa rage d’écrire pour laver
les affronts faits à sa famille déjà exposés
dans « Le Champ de personne (1995) » dans lequel
l’auteur décrit son enfance à Villemomble, avec beaucoup
de tendresse et de truculence, son père ouvrier d’origine
martiniquaise, sa mère et les treize enfants.
Donc pour son one man show, dans une décor en image projetée
de salle de classe avec pupitres, planisphère, planche anatomique,
quelques mots d’anglais au mur, (Décors de Pierre-François
Limbosch - Lumières de Laurent Castaingt), Daniel Picouly va donner
une conférence et répondre aux questions des élèves
qui tardent à arriver.
Et voilà l’adulte, devant une chaise géante, symbole
du pouvoir du maître, qui se rappelle comment une humiliation subite
peut insuffler l’envie de tuer son instituteur, comment on attend la
cloche de la récré salvatrice.
Son esprit vagabonde au gré des souvenirs, telles des madeleines
de Proust, auteur qu’il s’est mis à lire pour impressionner
une fille, laquelle restera insensible, mais pour lui ce fut une belle
avancée dans le monde merveilleux de la littérature.
Daniel Picouly que l’on appelle parfois Daniel Piccoli ou même
carrément Michel, l’inverse n’étant jamais le cas
car on ne peut pas confondre le grand comédien avec lui, occupe bien
la scène, sait donner de la vie à son enfance avec ses soldats
Mokarex ou ses Dinky toys.
Son langage clair, précis est imagé. Il a en outre l’art
de la formule « On doit écrire en amant et se relire en
mari ! » et, avec sa voix douce et chantante, il distille
humour, sincérité et émotion.
Comme le professeur qu’il fut pendant de nombreuses années
se tenant sur une estrade face à des écoliers, Daniel Picouly
se retrouve aujourd’hui sur l’estrade théâtrale face
à un public qui apprend pourquoi il dit « la faute
d’orthographe est ma langue maternelle ».
Chapeau bas d’avoir osé le seul en scène pour celui
qui, parce qu’il était nul en orthographe, et dont la maman faisait
beaucoup de fautes, est devenu écrivain et a été
récompensé par le prix Renaudot pour "L'Enfant léopard"
(2000). L’offense reçue comme une gifle est effacée, les
blessures se sont refermées sur l’éducation et la
transmission, la rage s’est muée en joie de vivre.
Cat.S / Theothea.com, le 06/11/12
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