Les
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22ème
Saison
Chroniques 21.11
à
21.15 Page
422
GREASE / Mogador ©
Theothea.com
François Staal - Symphorock au
Trianon 10/11/17 © Theothea.com
François Staal - Symphorock au
Trianon 10/11/17 © Theothea.com
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GREASE
de Jim Jacobs
& Waren Casey
mise
en scène Martin Michel
avec
Alexis Loizon,
Alyzée Lalande, Luna Chiquerille, Fanny Delaigue, Alexandre Faitrouni,
Céline Groussard... |
****
Théâtre Mogador
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© Theothea.com / lien
showcase
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En faisant de Grease son étendard de réouverture, le
Théâtre Mogador a voulu mettre toutes les chances de son
côté après cette longue interruption d’une année
pour cause d’incendie à la veille de la création du
« Fantôme de l’Opéra », en septembre
2016, qu’il a donc définitivement annulé en perspective
d’une réorganisation complète de sa programmation.
Le choix de Grease, comédie musicale à succès
créée à Chicago en 71 et l’année suivante
à New-York, ayant déjà fait les beaux jours du Comedia
en 2008 ainsi que du Palais des Congrès en 2009, ne pourrait que
satisfaire le public parisien convié à venir, en famille,
redécouvrir la salle prestigieuse totalement réhabilitée
à la suite du sinistre avec notamment le remplacement de la totalité
de ses sièges.
A noter qu’au premier rang de l’orchestre, en lieu et place
de la fosse traditionnelle est désormais installée une rangée
amovible de fauteuils doubles permettant de se lover en duo face au
spectacle.
En outre, la qualité acoustique a fait l’objet d’un
réaménagement de l’espace sonore tel qu’il n’y
a plus de zones exposées à la saturation des décibels.
Bref, tout est en place pour assister joyeusement à un show style
« Broadway » agrémenté de sa cohorte de
tubes célèbres pour lequel le cinéma hollywoodien a
porté au pinacle ses deux jeunes héros de l’époque,
John Travolta et Olivia Newton-John.
Et l’on se dit par conséquent que le défi va être
titanesque pour, le temps de la représentation parisienne, effacer
de la mémoire la prestation de ces deux stars internationales !
Eh bien! que nenni, car le pari est superbement relevé par Alyzée
Lalande et Alexis Loizon qui s’inscrivent avec simplicité et
grâce confondantes dans la lignée de leurs prédécesseurs
d’outre-Atlantique tellement renommés.
L’empathie que suscitent spontanément ces deux jeunes artistes
français est d’autant plus troublante qu’ils excellent dans
tous les compartiments de jeu relevant du Musical moderne top niveau.
De plus, l’équipe qui les entoure est entièrement raccord
avec l’humour, la fraîcheur et le dynamisme directement liés
à la thématique de ces années cinquante, projetées
subitement dans l’après-guerre sous le contrôle effectif
de la jeunesse lycéenne, en l’occurrence américaine,
découvrant pêle-mêle l’amour libre, le rock et la
mode kitsch.
Ainsi grisés à l’adolescence triomphante, spectateurs
et artistes ont la ferme intention de passer une bonne soirée où
les problèmes de cœur, d’inhibition refoulée,
d’émulation entre danseurs, de rivalités entre bandes
se confondent aujourd’hui en une magistrale nostalgie pour cette
période où l’avenir radieux affichait tous ses possibles
en rose bonbon.
Grease, c’est un peu comme la photo de classe que chacun garde en
soi avec tous les émois et troubles relatifs aux camarades, garçons
et filles, se découvrant à la vie en même temps que
soi-même.
Ce temps scolaire restera ainsi comme en suspend toute la vie adulte rappelant
bons et mauvais souvenirs se mélangeant au sein d’un formidable
appétit de vivre :
Ainsi « La Fureur de vivre », « West side
story », « American Graffitis » participeront
pareillement à ce culte des teenagers mais Grease sera un peu comme
leur synthèse aboutie dans le cadre institutionnel de l’école
bousculée aux entournures.
En fait, Grease, c’est surtout l’évocation universelle
du « bon vieux temps » où l’on avait tant
de mal à obtenir satisfaction avec le télescopage de ses
désirs contradictoires.
Eh bien, au sein du Théâtre Mogador rénové
sous l’égide de la production Stage Entertainment et l'impulsion
d'un orchestre live de huit musiciens en mezzanine surplombant la scène,
les pendules sont remises à l’heure du XXIème siècle
conservant le meilleur suc de cette mémoire collective… pour
que chant, danse et musique constituent le lien fédérateur
d’une renaissance que chacun espère en son for intérieur
et telle que tous puissent en imaginer la réalisation au niveau de
ses rêves.
Theothea le 09/11/17
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showcase
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CONFIDENCES
de Joe
Di Pietro
mise
en scène Jean-Luc
Moreau
avec Alain
Doutey, Marie-Christine Barrault, Arthur Fenwick & Claudia Dimier
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****
Théâtre Rive
Gauche
|
De Marthe à Florence, Marie-Christine Barrault excelle à
nouveau, plus de quarante ans après, mais, cette fois-ci, en adoptant
une posture diamétralement opposée face à
l’adultère revendiqué en 1975 haut et fort, par
dénégation du savoir-vivre et des conventions sociales au sein
du film « Cousin Cousine » de Jean-Charles Tachella,
alors qu’ici, en 2017, au Théâtre Rive Gauche, sa composition
d’une mère veillant au grain familial lui donne tout confort
moral pour, a contrario, donner l’exemple d’un renoncement de jeunesse
au nom de la fidélité et de l’Amour responsable.
Les deux époques se présentant totalement à fronts
renversés, l’observation de ce positionnement pourrait à
lui seul être plus explicite que n’importe quel argumentaire
concernant l’évolution actuelle de notre société,
toutefois puisqu’il s’agit d’œuvres artistiques, admettons
que cette asymétrie opportune n’engage que l’inspiration
indépendante et subjective de leurs auteurs respectifs.
Cependant, ce n’est pas le moindre des paradoxes que « Clever
Little Lies » (Petits mensonges intelligents), titre original de
la pièce de Joe Di Pietro adaptée par Eric-Emmanuel Schmitt
pour la mise en scène parisienne de Jean-Luc Moreau, ait triomphé
à Broadway de 2013 à 2015 alors que la culture américaine
s’oppose à toute forme de menterie mais que force est de constater
qu’une suite de vérités falsifiées émaille
les relations de Georges et Florence, le père et la mère, ainsi
que de Maxime & Amélie, leurs fils et bru.
Ainsi, selon l’enjeu domestique suscité, existerait-il une
place tolérable à l’amour passion ou au coup de foudre
en marge du couple ?
Mari et femme seraient-ils en mesure d’assumer un (bref ou non)
engouement amoureux en marge des responsabilités familiales et de
l’affection explicitement engagée ?
Peuvent-ils ou doivent-ils, le cas échéant, la cacher à
la connaissance de l’entourage ? Celui-ci doit-il réagir voire
intervenir pour y mettre fin et rétablir le bon ordonnancement ?
La problématique conjugale intergénérationnelle est
donc bel et bien multiple et les réponses à y apporter peuvent
se combiner de mille manières.
C’est donc sur ce terrain des options plus ou moins pragmatiques
que l’auteur d’outre-Atlantique et l’adaptateur français
emmènent le spectateur se demandant sans cesse comment le dilemme
de Maxime et Amélie va-t-il pouvoir se résoudre au mieux des
frustrations inévitables de chacun des deux époux ?
Alain Doutey, avec des airs pouvant rappeler Daniel Gélin, cherche
à ménager l’eau et le feu, sans doute par connivence
masculine; Marie-Christine Barrault, droite dans ses bottes, souhaite que
l’on arrête de se mentir à soi-même, ce qui de fait
entraînerait le désagrément de tous; Arthur Fenwick est
superbe de crédibilité dans son double rôle d’amant
et de mari torturé par le devoir familial; quant à Claudia
Dimier, son attention est exclusivement concentrée sur son
bébé et elle aimerait bien que tout le monde fasse de même.
Si la ligne directrice de la pièce est éminemment moralisante,
il n’empêche que le questionnement soulevé reste entier
tout en laissant chacun libre d’adopter ou non le happy-end final permettant
de cautériser les souffrances latentes.
De nouveau, Eric-Emmanuel Schmitt a réussi magnifiquement le défi
de nous impliquer dans un cas de conscience tangible qu’il serait
effectivement préférable d’avoir, au moins provisoirement,
solutionné à l’instant des applaudissements très
chaleureux… car les quatre acteurs excellents méritent notre
sincère enthousiasme sans réserve.
Theothea le 15/11/17
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LE TEMPS QUI RESTE
de
Philippe Lellouche
mise
en scène Nicolas
Briançon
avec Philippe
Lellouche, David Brécourt, Christian Vadim & Noémie
Elbaz |
****
Théâtre de La
Madeleine
|
« Un seul être vous manque et tout est
dépeuplé » annonçait Lamartine bien avant
Philippe Lellouche en une observation visionnaire et universelle.
Toutefois en 2017, au Théâtre La Madeleine au sein d’une
allégorique partie de « bridge à quatre »,
il ne faudrait pas se méprendre sur la fonction métaphorique
du « mort » car la place restée vide n’est
pas forcément celle du quatrième ami masculin annoncé,
puisqu’il n’en était point question dans les créations
précédentes.
Sur scène, cela a toujours été David Brécourt,
Christian Vadim et donc Philippe Lellouche qui ont composé le fameux
trio face à leur « égérie »
fédératrice Vanessa Demouy au fur et à mesure des
épisodes successifs « Le jeu de la
Vérité » 1 & 2, « Boire, fumer et conduire
vite », « L’appel de Londres ».
L’on ne change pas une équipe qui gagne; tel est le principe
directif adopté généralement face au succès,
à ceci près que, quand la vie privée s’intrique
avec la création artistique, il peut néanmoins être
nécessaire de savoir déroger diplomatiquement d’avec cette
règle sacro-sainte:
Noémie Delbaz est effectivement la comédienne à la
fois talentueuse et discrète qui pouvait convenir à combler
la fonction laissée vacante à la suite de la séparation
effective, dans la vraie vie, entre l’auteur et la muse inspirant le
trio.
Certes, mais peut-on vraiment s’inventer et s’improviser dans
un rôle précisément élaboré au sein d’une
histoire « fraternellement » partagée à
quatre partenaires initiaux sous la complicité du public depuis douze
années ?
Telle est donc la question en forme de quadrature du cercle posée
au nouveau quatuor recomposé qui doit redoubler de motivations,
d’initiatives et de solidarité dans le jeu collectif mais qui
ne parviendra pas nécessairement à crédibiliser
« l’absence ambivalente » d’un pseudo
cinquième comparse en la personne de Max, leur soit-disant ami disparu
brutalement.
Donc les voilà réunis tous les quatre à l’occasion
de cet enterrement subit et inattendu pour lequel ils vont s’efforcer
de maintenir leurs retrouvailles à l’image du plaisir de se sentir
bien ensemble encore et toujours, tels ces amis de jeunesse inséparables
qu’ils souhaitent continuer d’être.
Cependant, parmi d’autres découvertes sur leurs passés
respectifs et l’évolution de leurs personnalités, une
surprise de taille va les attendre au détour de conversations à
bâtons rompus :
Il va s’avèrer que, depuis belle lurette, Emma n’était
plus en couple avec ce fameux cinquième copain sans que les trois
autres n’aient jusqu’ici rien soupçonné:
Branle-bas dans les consciences mises à mal d’avoir
été ainsi trompées sans vergogne.
Comment réparer les dégâts ainsi causés en
direct si ce n’est précisément en faisant preuve de
proximité affective et charnelle redoublée et démonstrative
?
Et c’est précisément à cet endroit que le défi
à relever est quasiment insurmontable car Noémie Delbaz reste
une pièce rapportée à ce groupe de potes, ne pouvant
à elle seule prendre en charge, par son talent, l’histoire affective
du quatuor « à la vie, à la mort » mais
déserté fortuitement par l’une d’entre eux, Vanessa
Demouy !
Ce n’est pas non plus la maîtrise psychodramatique et le
savoir-faire expérimenté dans la mise en scène
apportés par Nicolas Briançon qui pourront influer sur cette
véritable absence fondamentale et sur laquelle, peut-être, il
aurait fallu carrément s’appuyer (en réécrivant
partiellement le scénario) pour rendre un tant soi peu vraisemblable
le dilemme vécu sur scène par cette bande de copains en grand
désarroi qui, néanmoins, ont envie de continuer à se
marrer durant le reste de leur vie.
A ces réserves essentielles près, il est fort plaisant et
même sympathique d’observer l’enthousiasme de Christian
Vadim et de David Brécourt mis à épauler leur copain
Philippe dans ses tracas intriqués entre fiction et intimité.
Rien qu’à ce titre, la réalisation perspicace de Nicolas
Briançon mérite d’être appréciée à
sa juste valeur et l’on se dit que l’auteur Philippe Lellouche,
lui, est audacieux d’avoir ainsi osé sauter dans le vide existentiel
de la comédie « à actualiser »… sans
aucun filet de protection spécifique.
Theothea le 17/11/17
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FAUSSE NOTE
de Didier
Caron
mise
en scène Didier Caron & Christophe
Luthringer
avec Christophe
Malavoy & Tom Novembre
|
****
Théâtre
Michel
|
Un chef d'orchestre entre sur scène, dans le noir et le silence
absolu, se juche sur un podium en faisant dos au public, et, muni de sa baguette,
s'apprête à entonner les premières mesures d'un concert.
Mais voilà qu'il semble pris d'un vertige et d'un irrésistible
tremblement de quelques secondes à la main droite. Aussitôt
le poignet maîtrisé par l'autre main, il finit sa partition
sous un tonnerre d'applaudissements. Cette hésitation est
certainement passée inaperçue au fantomatique Orchestre du
Philharmonique de Suisse romande, à Genève.
Mais, en fait, sans que nous le soupçonnions de prime abord, ce
vacillement intempestif et inattendu de la part du grand maître Hans
Peter Miller, musicien de réputation internationale, sera l'inconscient
déclenchement révélateur d'une réalité
enfouie et secrète; c'est le fil rouge du drame qui va se dérouler
sous nos yeux.
Irrité contre lui-même, il tente de se remettre de cet
étonnant état de nervosité dans sa loge, bientôt
investie par un homme énigmatique tout de brun vêtu, chapeauté
et ganté, portant valise et se présentant comme un admirateur
inconditionnel venu exprès de Liège pour l'écouter.
Jovial en apparence, Léon Dinkelbach, dit Dinkell, est
l'archétype même du fan qui demande autographe et photo.
Malgré la fatigue de Miller et sa lassitude d'être importuné
à cette heure, celui-là revient à la charge puis se
fait insistant et devient carrément "collant" avec ses allers-retours
pour ne plus lâcher sa proie prise en otage dans son antre, telle la
mouche dans les rets de l'araignée.
On comprend vite que l'envahissant personnage vient démasquer la
véritable identité de Miller, nommé à l'orchestre
de Berlin dont il est originaire et donc on pressent qui il est et ce qu'on
lui reproche. Miller ne serait pas suisse mais allemand et aurait
participé, sous le diktat de son père tortionnaire, au pogrom
nazi.
Ainsi, deux hommes que tout oppose apparemment vont se confronter, se
jauger et sombrer peu à peu dans une sorte de jeu de la vérité
mortifère, implacable et sadique. L’un victime, l’autre
bourreau, jusqu’à douter qui est vraiment la victime de
l’autre, ils s'affrontent tels un bloc de marbre inébranlable,
inatteignable face à un bloc de glace qui va fondre à mesure
des coups portés malgré une résistance acharnée.
Dans ce huis clos tendu où les accessoires du décor se
déstructurent à mesure que la vérité éclot,
Dinkel traque avec une détermination sans faille le chef d'orchestre
qui a troqué son identité afin de vivre pleinement son art.
Christophe Malavoy, avec une impeccable retenue, incarne cet homme hanté
par ce passé qu'il ressasse et malaxe. Rongé, méticuleux,
il ira jusqu'au bout de sa logique : mettre en face de ses responsabilités
celui qui a tué son père, talentueux violoniste.
Le maestro d'abord sûr de lui-même, interprété
avec superbe par Tom Novembre niera avec une conviction absolue les
révélations déballées nous persuadant qu'il y
a erreur sur la personne puis la façade devient vulnérable,
s' effrite et s'effondre finalement dans l‘humiliation.
La confrontation prend la tournure d'un règlement de compte de
père bourreau à père victime jusqu'a l'aveu du
présumé coupable qui implorera le pardon.
Mais, gémit-il, peut-on désobéir à un père
tortionnaire ? L'autre cherche des réponses à cette interrogation
lancinante : n'est-on pas toujours responsable de ses actes, même sous
la menace, même si on est très jeune ? Peut-on vivre sous une
autre identité pour effacer ce dilemme encombrant et se "défaire"
d'un crime commis sous influence paternelle ? Peut-on échapper à
son passé ? Peut-on continuer à vivre impunément sous
les honneurs et dans le succès? Peut-on survivre au déshonneur
? Telles sont toutes les questions posées dans ce face à face
entre ces deux protagonistes qui se révèle être une lutte
sans pitié avec un vainqueur vengeur et un vaincu réduit en
miettes.
Ce type d’affrontement dans un huis clos à la tension irrespirable
est classique au théâtre et au cinéma. Didier Caron,
à la fois scénariste, auteur dramatique et... directeur du
Théâtre Michel, a écrit de nombreuses comédies
telles "Le Repas des Fauves" qui lui a valu trois Molières, "les
Nombrils", a monté les formidables "Palmes de Monsieur Shultz", et
plus récemment "Le Jardin d'Alphonse".
Sa mise en scène effectuée en duo avec Christophe Luthringer
allie parfaitement le principe d’une progression sans temps mort bien
qu'un tant soit peu conventionnelle avec une distribution de haut niveau.
La peur, le pardon, le remords mais aussi la vengeance, la loi du talion
et la résilience nous interpellent et bousculent notre pensée
dans cette pièce à la forte intensité dramatique.
Cat’s / Theothea.com le 20/11/17
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NON A L'ARGENT
de Flavia
Coste
mise
en scène Anouche
Setbon
avec Pascal
Legitimus, Julie De Bona, Claire Nadeau & Philippe Lelievre
|
****
Théâtre des
Variétés
|
Avec un titre aussi peu consensuel mettant à mal « Le nerf
de la guerre », il est indéniable que l’intérêt
collectif suscité va s’empresser de rechercher le « comment
du pourquoi » de cette déclaration radicale relevant du défi
au bon sens commun.
Mais quelle contrariété pourrait donc pousser un quidam
à refuser les quelques 160 millions qu’il vient de gagner, sur
sa propre initiative, en ayant fort heureusement acheté le billet
gagnant à la Loterie ?
Il s'avère que c’est par mimétisme mais c’est
surtout par dévotion à son père, liée au geste
récurrent que celui-ci effectuait d’antan régulièrement,
espérant ainsi satisfaire le futur standing de sa famille.
En conséquence le fils attentionné perpétuait, à
son tour, cette démarche, de manière presque rituelle, afin
de protéger le bonheur présent qu’il partageait avec sa
mère veuve, sa femme et son meilleur ami… jusqu’à
ce « fatal » jour.
En effet, comment imaginer, qu’avec une telle somme d’argent
acquise subitement, cette nouvelle fortune ne vienne-t-elle pas
déstabiliser tout ce petit monde, plein de projets en tête,
plus ou moins profitables au bien être de la communauté ?
Alors, de façon à éviter une telle déconvenue
propice aux conflits d’intérêts, le fils si peu prodigue
pense, après mûre réflexion, qu’il est
préférable de renoncer à cette manne tombée du
ciel plutôt que de courir le risque de mettre en péril leur
cocon intime.
Bien entendu, c’est l’effet inverse à cette
tranquillité préservée que celui-ci va déclencher
en déflagrations successives dues à son entêtement à
stigmatiser la chimère le protégeant d’une richesse acquise
sans mérite.
C’est donc, par effet boomerang, un processus de rapide dégradation
des relations humaines que décrit la pièce visionnaire de Flavia
Coste sous la direction d’acteurs absolument réjouissante
d’Anouche Setbon.
Pascal Légitimus est ainsi ce fameux quidam à la réaction
tellement inattendue face au choc du fric en forme de baiser du diable.
Claire Nadeau sa mère, tellement possessive qu’elle en oublierait
presque que celui-ci est son fils chéri à qui elle a toujours
passé tous ses caprices.
Julie de Bona, son épouse adorée qui n’en revient toujours
pas qu’étant le seule à subvenir aux besoins de la famille,
ce tendre chéri n’ait point pensé que beaucoup de beurre
dans les épinards pourrait leur rendre la vie quotidienne plus
aisée.
Et enfin Philippe Lelièvre, son meilleur copain l’ayant toujours
soutenu dans les projets professionnels foireux, qui aurait vu d’un
bon œil, un peu de respiration dans les faillites partagées de
si bon cœur.
Bref, tout ce beau monde a rendez-vous avec un avenir désormais
radieux ; alors, comment imaginer y mettre un tant soi peu des bâtons
dans les roues de la réussite annoncée par ce foutu billet
gagnant mais jusqu’à quand ?
C’est ainsi qu’une course poursuite avec le temps va s’engager
sans que personne n’en maîtrise pleinement la validation ou non
du ticket si peu modérateur.
A déguster très joyeusement sans a priori !
A apprécier « philosophiquement » sans a posteriori…
aux Variétés !
Theothea le 23/11/17
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