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UN AMOUR IMPOSSIBLE
de
Christine Angot
mise
en scène Célie
Pauthe
avec Maria de Medeiros & Bulle
Ogier |
****
Théâtre Odéon Berthier
|
En adaptant elle-même son propre roman, celui convoquant la mère
et la fille au sein des profondeurs abyssales habitant leur
réciprocité, en perspective d’être joué sur
la scène théâtrale, Christine Angot ajoute une corde
« porteuse » à son arc lui permettant de cibler
la relation binôme fondatrice et universelle.
Réécrivant le parcours d’une vie, celui de Rachel sa
génitrice, selon plusieurs rencontres chronologiques sous
tête-à-tête avec la narratrice, celle-ci se dédoublera
tout à la fois en L’écrivaine distanciée ainsi
que La jeune « Christine » s’incarnant jusqu’à
l’adolescence sous le nom matriarcale de
« Schwartz » et, par la suite, sous celui patriarcal
de « Angot » puisque Pierre, l’ex-amant adoré,
aura alors consenti à reconnaître civilement l’enfant
âgée de 14 ans.
Associées, dès l’origine, au projet initial souhaité
par la metteuse en scène Célie Pauthe après que celle-ci
eut donc contacté l’auteure, les comédiennes Bulle Ogier
& Maria de Medeiros donnèrent leur accord d’autant plus
enthousiasmées qu’elles allaient devoir jouer avec les âges
progressant en concomitance avec ceux de Rachel & Christine.
Unité de temps, imaginé comme une longue journée
où celles-ci se remémoraient en tableaux scénographiques
les moments clefs successifs d’impossibles amours duels conjugués
à trois. Unité de lieu, celui de l’espace scénique
qui s’adapterait à la conceptualisation symbolique et néanmoins
géo-localisée de ces relations tripartites où la
présence charnelle de Pierre, l’ex-amant et père incestueux
y sera d’autant plus exclue que son décès marquera le
point initial de l’adaptation théâtrale où la mise
en mots lui servira ainsi d’hologramme virtuel.
Davantage que la vengeance, la rébellion ou autre ressentiment,
sous-tendant certains de ses précédents livres rendant compte
de la transgression paternelle, la démarche
« romancière » voulue ici par Christine Angot
est celle d’une analyse idéologique et politique du crime familial
dont la responsabilité morale, par- delà l’agresseur,
incomberait collectivement au laxisme sociétal des règles
ségrégatives implicitement en cours.
Au-delà des conséquences victimaires indélébiles,
il importait présentement à Christine de tenter de comprendre,
par le biais de leurs perceptions féminines en cheminement divergeant,
les éventuels entendement, discernement et motivations maternels en
testant à chaque étape la prise de conscience de Rachel, a
posteriori ou non, des enjeux relationnels ayant été
impliqués.
Si, respectivement à 84 et 58 ans, la rancoeur pourrait, ainsi,
faire place à l’apaisement, c’est tout simplement parce
que l’amour sera demeuré présent, certes dissimulé
mais sans fard, et pourvu qu’à deux, mère & fille,
elles sachent désormais lui accorder une place
prépondérante.
Il faut dire qu’à ce jeu éminemment théâtral
auquel se livrent, corps et âmes à tous les âges de la
vie, Maria & Bulle, le charme est indicible, la performance est
émotionnelle, le talent est à fleur de peau.
La metteuse en scène dirige avec tact les affrontements et
réconciliations opportuns selon des enchaînements de plateaux
à vue où respiration, quiétude &
sérénité scéniques s’expriment en un calme
ballet technique dédramatisant.
Bulle Ogier nous apparaît en adéquation confondante à
travers le prisme nostalgique sorti de son univers cinématographique;
Maria de Medeiros envoûte par son sourire adulescent et ses manières
de jeune fille non rangée en pleine empathie affective avec sa
partenaire.
A travers elles deux, surgissent notamment, et comme par magie, les
années soixante symbolisées par des pas de danse anthologiques
en solo puis à deux sous le rythme rock et sensuel de Nancy Sinatra
scandant le fameux « These boots are made for
walkin’ »
Bravo à Christine & Célie d’avoir rendu
« possible » ce revival show Bulle & Maria…
ludique, emblématique et métaphorique de cette quête
en résilience !
Theothea le 28/02/17
|
BANKABLE
de
Philippe Madral
mise
en scène Daniel Colas
avec Lorànt Deutsch, Vincent
Winterhalter, Jérôme Anger, Manoëlle Gaillard & Caroline
Maillard |
****
Théâtre
Montparnasse
|
Pierre, Bruno, Antoine et les autres… en l’occurrence Solange
& Sabine respectivement mère de Bruno & épouse de
Pierre… sont dans un bateau qui prend l’eau et il va falloir que
le système « D » supplée à leurs
difficultés sous peine de couler… tous ensemble.
A ceci près qu’en dehors de toute métaphore aquatique
et surtout en perspective du prochain tournage d’un film à
succès, le scénariste, l’acteur et le producteur doivent
trouver, au sein de judicieux compromis, le moyen de rassurer le co-producteur
américain et ainsi de mener à terme le processus de
créativité cinématographique.
Ce trio n’est pas sans rappeler celui que Daniel Colas a eu
l’occasion de diriger en 2011 au Théâtre Antoine, puis
de reprendre à La Michodière sous le titre «
Hollywood »
si ce n’est qu’à l’acteur tête d’affiche
s’y substituait alors un metteur en scène en situation de siège
éjectable.
Il s’agissait, déjà, à l’époque
de réussir à boucler l’écriture scénaristique
malgré toutes les vicissitudes spécifiques aux Studios
Hollywoodiens alors que, présentement, au Théâtre
Montparnasse, c’est principalement la vraisemblance entre les
caractéristiques de l’acteur choisi et l’écriture
en gestation qui va poser problème à une co-production mal
ficelée dès l’origine.
Cerise sur le gâteau du 7ème Art, c’est donc également
Daniel Colas qui, de nouveau, est aux commandes de cette création
théâtrale.
La thématique est néanmoins différenciée car
il s’agissait, précédemment, de l’adaptation du
célèbre roman et film « Autant en emporte le vent
» alors que, présentement, Philippe Madral a écrit cette
comédie « impayable » en fonction de sa connaissance
interne du milieu du cinéma où les proches des protagonistes
participent, à leurs dépens, aux tribulations engendrées
par cette coopération lobbyiste.
C’est l’aspect caractériel qui va ici prédominer
en montrant des « professionnels de la profession »,
vulnérables dans leur équilibre relationnel et plus souvent
soucieux de leurs intérêts propres ou privés au
détriment de ceux d’une ambition collectivement partagée.
Par ailleurs, le parti pris de la réalisation scénographique
penchera du côté de la bande dessinée plutôt que
de celui du réalisme; ce qui aura pour conséquence de placer
les comédiens dans une certaine fébrilité de type
cinéma muet et ainsi de susciter une atmosphère similaire à
celle des Max brothers.
Daniel Colas s’est ainsi orienté vers une réalisation
délibérément différente de son
« Hollywood »
et c’est donc dans une perspective davantage ludique que paranoïaque
que ses personnages semblent interagir en mettant en valeur leur
subjectivité respective totalement contre-performante.
Lorànt Deutsch compose un scénariste hypocondriaque,
excédé dès qu’il est envisagé de retoucher
à son écriture; Jérôme Anger un producteur toujours
prêt à se dénier afin de perpétuer son train de
vie; Vincent Winterhalter l’acteur quasiment « has
been » mais qui n’a rien vu venir.
Par ailleurs, adulescent attardé, celui-ci se laisse aisément
cornaquer par Solange, sa mère pathologiquement égocentrique
alors que Sabine, à la recherche d’une harmonie familiale, stigmatise
les réactions velléitaires de Pierre.
Bien entendu, tout ce petit monde ne peut représenter
l’état psychosocial du cinéma français contemporain
mais puisqu’il s’agit d’une comédie de moeurs, cela
contribue à en montrer certains travers de nantis. Reste au public
de savoir en rire jaune ou pas !
Theothea le 25/02/17
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L'AIGLE A DEUX
TÊTES
de Jean
Cocteau
mise
en scène Issame
Chayle
avec Delphine Depardieu, Alexis
Moncorgé, François Nambot, Julien Urrutia & Salomé
Villiers |
****
Théâtre du Ranelagh
|
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ENTRETIENS
D'EMBAUCHE
de
& mise en scène Anne
Bourgeois
avec Laurence Fabre
|
****
Théâtre Déjazet
|
Dans le titre, se trouvent donc les mots
« entretiens », « embauche » qui
doivent être complétés, selon l’autrice, par
« et autres demandes excessives ».
Bien entendu, ce supplément d’exigence est imputable en partie
au demandeur d’emploi mais surtout à son questionneur et, de
manière générale, à tous ceux qui pourraient
abuser du pouvoir qu’ils détiennent face à la
vulnérabilité humaine.
Une sorte de vade mecum informel va apparaître au fur et à
mesure des rencontres professionnelles engageant le postulant à appliquer
quelques règles comportementales : « être
soi-même », « aimer son interlocuteur »,
« s’habiller sans ostentation » etc… bref,
maintenir le bon sens et la simplicité en ligne directrice.
Mais le texte et la mise en scène d’Anne Bourgeois échappent
rapidement à ce cadre convenu, en installant la comédienne
Laurence Fabre en situation d’instabilité existentielle,
c’est-à-dire que celle-ci, au-delà de sa recherche ponctuelle
du gagne-pain indispensable, se retrouve face à la vie, démunie
comme l’enfant qui vient de naître… à ceci près
qu’il s’agit d’une jeune femme contemporaine en mal de
repères sociaux, psychologiques, affectifs voire métaphysiques.
Et Dieu dans tout cela, qu’en penserait-il, en effet, si la croyance
devait être également au rendez-vous ?
Flirtant ainsi sur le domaine, ô combien spéculatif,
d’Eric-Emmanuel Schmitt, Anne Bourgeois, en totale
complémentarité et complicité avec son
« actrice », effectue alors un virage de traverse et
l’engage sur le terrain de la pantomime facétieuse où
l’art du clown peut être considéré comme une
réponse au stress sociétal en adoptant des comportements
décalés mais significatifs du mal être, ainsi qu’en
exprimant des mimiques, des gestes, des phrases en apparence peu conformes
à la maîtrise de soi mais en définitive fort
libérateurs d’énergie et d’affect, bref en laissant
le corps et l’esprit trouver une adéquation constructive devant
l’incompréhension formatée du monde environnant.
Pour parvenir à cette perspective scénographique, Laurence
Fabre dispose de ressources fort appropriées, à la fois naturelles
mais également acquises, en dialectique synchrone avec la voix off
questionnante de Fabrice Drouelle.
Selon un visage d’apparence différenciée, pouvant
évoluer, par exemple, d’ « Agnès
Soral » à « Céline Dion » (ou
« Véronic Di Caire » son imitatrice) en passant
par « Virginie Lemoine » dont sa composition de demandeuse
d’emploi, à la fois gentille, naïve et pétulante,
serait la plus proche, l’artiste endosse à part entière
son rôle de one-woman-show, capable par exemple, de se dédoubler
dans l’instant en Solange son interrogatrice burlesque de pôle
emploi.
Dans ce légendaire Théâtre Dejazet, dirigé
depuis quarante décennies par Jean Bouquin totalement passionné
à la cause du spectacle vivant tout en ne fonctionnant que par instinct
et « coups de coeur », Laurence Fabre & Anne Bourgeois
trouvent en ce « mécène » de l’art
théâtral l’opportunité de
« toucher » les spectateurs durant deux mois que
« tous ensemble » devraient estimer à sa plus
haute intensité.
Apprécions, par conséquent, cette création du Festival
off d’Avignon 2015 à hauteur de conte tragi-comique, telle une
quête globalisante impliquant l’invite et la démarche
initiatique à (re)prendre possession de sa véritable
personnalité, ce qui, à terme, devrait permettre pour tout
un chacun d’être réellement présent au monde selon
des compétences spécifiques et, ainsi, de pouvoir
interpréter, penser et, en définitive, assumer une relation
« sereinement subjective » face à la
société.
Theothea le 23/02/17
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C'EST ENCORE MIEUX
L'APRES-MIDI
de
Ray Cooney adaptation Jean
Poiret
mise
en scène José
Paul
avec
Pierre Cassignard –
Lysiane Meis – Sébastien Castro - Guilhem Pellegrin – Pascale
Louange - Guillaume Clérice – Rudy Milstein – Anne-Sophie
Germanaz |
****
Théâtre Hébertot
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